33 geweldige films uit de jaren 70 die de tijd vergat

Welke Film Te Zien?
 
De jaren 70 gaven ons een geweldige bioscoop aller tijden, maar de diepe bezuinigingen zijn net zo goed als de grootste hits.

De jaren 70 worden vaak beschouwd als de tweede gouden eeuw van Hollywood. Aangemoedigd door het succes van Dennis Hopper ’S Easy Rider waarmee de jaren 60 eindigden, toonden veel van de studio's de bereidheid om jonge producenten, schrijvers en regisseurs toe te vertrouwen om de cinema een geheel nieuwe stem te geven. Het resultaat was een unieke reeks klassiekers van nieuwe buitenbeentjes voor het maken van films, zoals Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Woody Allen, Bob Rafelson, Terrence Malick, Steven Spielberg, Hal Ashby, William Friedkin, George Lucas en Peter Bogdanovich , om er een paar te noemen. Hoe ze verschilden van eerdere grootheden was door af te zien van classicisme voor een nauwere associatie met de realiteit, door meer geluiden of rock-'n-rollnummers in plaats van partituren, door meer intieme plots om een ​​personage meer te volgen dan hun verhaal en door het klankbeeld te verlaten in de echte wereld.

Hoewel veel van die namen de hoeksteen waren van nieuw succes voor het vertellen van verhalen gedurende het decennium, hadden de jaren 70 veel geweldige films die ook de rebellengeest van de nieuwe auteurs aanboorden zonder een klassieke glans te blijven krijgen. Elk decennium zijn films vergeten, maar de jaren 70 zijn een schat aan films die rebels, excentriek en levend zijn, maar niet langer worden genoemd.

Om deze eerste lijst te maken, had ik maar één criterium: de film moest minder dan 10.000 stemmen krijgen op IMDb, wat een goede barometer lijkt te zijn voor het al dan niet achterlaten van een film in de retrospectieve tijdgeest. Met deze methodiek zijn een paar dingen ontdekt. Ten eerste waren veel van de films die hier mogelijk zouden kunnen landen, experimenteel met narratief, of grindhouse of buitenlands, wat natuurlijk niet verrassend is. Maar meer verrassend was dat veel van de grote Amerikaanse films uit dit decennium die niet langer een vurige aanhang lijken te hebben, maar werden geregisseerd door een geaccepteerde auteur zoals Altman of Ken Russell , vaak gekenmerkt door een vrouwelijke hoofdrol.

Afbeelding via Paramount Pictures

De geweldige films uit de jaren 70 waren grotendeels van mannen, werden gemaakt door mannen en vertelden de verhalen bijna uitsluitend door de ogen van mannen en probeerden te ontcijferen wat het betekent om een ​​eerbaar man te zijn. Het zijn natuurlijk nog steeds geweldige films, maar de cinema uit de jaren 70 was de eerste echte genderbarrière voor films; alle lof en prijzen gingen naar The Godfather, One Flew Over the Cuckoo’s Nest, Rocky, The French Connection, The Deer Hunter enz. en het is grimmig in vergelijking met voorgaande decennia waarin door vrouwen geleide films zoals The Apartment, My Fair Lady, The Sound of Music , enz., tot in de jaren 60 nog steeds de beste filmprijzen konden winnen. In de jaren 70 werden de toejuichingen en het prestige echt eenzijdig en richtte de overgrote meerderheid van prestigieuze foto's zich op mannen. Ik zou kunnen zeggen dat toen het idee van de foto van een man en die van een vrouw ook echt versplinterden. Sinds de jaren 70 kwamen we ook op het idee van een blockbuster die voor altijd van film veranderde, met Star Wars , die kloof nam toe in de jaren 80 en we beginnen nu pas een terugkeer te zien naar het maken van prestigieuze vrouwelijke foto's van grote regisseurs.

Dat is niet om de geweldige films zoals te bekritiseren De peetvader, Apocalypse Now, Badlands, Dog Day Middag, en er kwamen er steeds meer uit in de jaren 70, maar het is vermeldenswaard dat de meeste films op deze lijst - die geen initiële studio-ondersteuning kregen en niet langer de steun hebben van een stemsysteem zoals IMDb - vrouwen in de hoofdrollen. De rest is vreemd, franje en ondeugend. Of in sommige gevallen zijn ze het regiedebuut van een regisseur die later een cultstatus zou krijgen, zoals Walter Hill en Elaine mei ​Bekijk enkele van de keuzes en luister bij welke films u het eens bent of die u misschien wilt bekijken, of welke megaklassiekers volgens u overschat zijn.

The Lickerish Quartet (1970)

Radley Metzger was een pionier op het gebied van erotiek. Terwijl zijn tijdgenoten dat leuk vinden Russ Meyer en Tinto messing bracht de jaren 70 door met het benadrukken van specifieke vrouwelijke kenmerken (Meyer de boezems en Brass de peuken), Metzger maakte kunst waarin af en toe hoererij te zien was. Geloof me niet zomaar, Andy Warhol gebeld Het Lickerish Quartet 'Een waanzinnig kinky meesterwerk' en UCLA heeft zijn filmafdrukken gerestaureerd en retrospectieven gehouden om zijn werk onder de aandacht te brengen. Het is academisch.

Het Lickerish Quartet begint bij een Europees kasteel waar een welgestelde familie naar een oude 'blauwe film' kijkt (zoals men doet met hun familie in een kasteel), daarna reizen ze af naar een circus waar ze naar een paar waaghalzen kijken. Ze merken dat een vrouwelijke motorrijder ( Silvana Venturelli ) lijkt erg op de vrouw die voornamelijk te zien was in de smerige film die ze net hebben gezien. Dus nodigen ze haar natuurlijk uit terug naar hun kasteel, waar ze praten over fietstrucs, haar de ondeugende video laten zien en haar uitnodigen om al hun fantasieën een voor een te vervullen. Ondertussen vraagt ​​ze herhaaldelijk: 'wie heeft het pistool' en de patriarch van de familie ( Frank Wolff , die in beide kleine rollen hadden Er was eens een tijd in het Westen en De grote stilte ) heeft flashbacks naar zijn tijd in oorlog. Ja, er is seks en er is wat gekke fantasiemuziek, maar wat maakt Lickerish Quartet indrukwekkend - en een van de weinige films in zijn soort waar je kunt kijken naar cinematografie, verhaal en productieontwerp en nog steeds je snobistische cinefiele kaart vasthoudt - zijn de fantasierijke opstellingen, montage en setveranderingen (een bibliotheek verandert in een smerig woordenboek, bijvoorbeeld). Je kunt het warm krijgen, misschien lachen, maar je zult je ook slecht voelen over oorlog en ouders.

Onderzoek naar een burger boven verdenking (1970)

Afbeelding via criterium

Onderzoek naar een burger boven verdenking is het zeldzame meesterwerk waarvan ik ook graag een bijgewerkte remake zou willen zien. De zorgen van de overheid zijn zo tijdloos, zo rijp, zo verweven met het verleden en de toekomstige structuur van een corrupte bestuursmaatschappij. Donald Trump pochte ooit dat hij zo populair was bij zijn basis dat hij iemand op Fifth Avenue kon neerschieten zonder enige gevolgen te ondervinden. Nou, dat is dit als een film, behalve veel intelligenter, nieuwsgieriger en bezorgd over wat die openlijke toelating eigenlijk betekent.

Een burger boven verdenking introduceert de Romeinse politiecommissaris ( Gian Maria Volonte ) als hij het appartement van een minnaar binnengaat die vraagt ​​hoe hij zal doen alsof hij haar vanavond vermoordt, behalve dat hij haar in plaats van hun gebruikelijke rollenspel te spelen, haar vermoordt; hij laat met opzet een hoop aanwijzingen achter, benieuwd of zijn status, waartoe de vrouw zich aangetrokken voelde, hem werkelijk zou kunnen redden van eventuele repercussies voor een halsmisdaad. De Ennio Morricone partituur, dat slechts een herhaalde themacomponitie is, bevat een kaakharp-explosie die je laat weten dat het oké is om de humor te vinden in alles wat zich ontvouwt. Maar hoewel het sociale commentaar en de satire zelf erg sterk zijn, is de ware beheersing van Elio Petri 's film gaat over hoe hij de flashbacks gebruikt tussen het hoofd van de politie en de vermoorde vrouw, Augusta Terzi ( Florinda Bolkan ​We zien haar een val zetten, buiten het medeweten van zichzelf, door zich op een avond te vervelen en dronken het politiebureau te bellen om iedereen die antwoordt te verraden door zichzelf naakt te beschrijven in haar appartement met een indringer en ze is benieuwd of iemand daar haar zou redden of dat ze ' Ik zou haar gewoon laten verkrachten en alle toekomstige meldingen negeren. De Chief komt om hem te inspecteren en geïnteresseerd in zijn macht, ze blijft hem dwingen om dingen te doen voor de sensatie dat hij te hoog in zijn macht is om enige knokkels te krijgen.

Belangrijk is dat, hoewel Augusta betrokken is bij deze dans van het macabere, Petri haar nooit de schuld geeft van haar ondergang. Bolkan vertolkt Augusta als een vrouw die in opstand komt tegen de samenleving, maar die rebellie trekt haar dicht bij de mannen van de macht en ook bij de mannen aan de revolutionaire kant die die macht willen uitdoven; ze wordt consequent geroerd door wetten te overtreden, maar valt onmiddellijk in een depressie van bewustzijn, waar hij dat niet doet.

Een belangrijk onderscheid in Boven verdenking is wie er wordt genoemd en wie niet. De meeste mannen in regeringsposities worden niet bij naam genoemd, maar in plaats daarvan naar hun rang, waardoor ze niet menselijk zijn, maar de gepersonifieerde staat. Degenen die genoemd worden zijn ofwel slachtoffers ofwel degenen die onder toezicht staan ​​vanwege hun communistische neigingen. Het is een belangrijk onderscheid dat het Italiaanse fascisme na Mussolini kon doorgaan, etteren en groeien, simpelweg vanwege de angst dat het communisme het zou vervangen. Bovendien, terwijl Petri snijdt tussen zijn pogingen om ontdekt te worden en zijn vroegere relatie met Augusta, komen we tot het besef dat zijn sociopathische ondergang verband houdt met wat het het vaakst is voor mannen met macht, een klap voor hun ego op hun seksuele mannelijkheid. Hoewel het niet wordt gezegd, krijgen we het gevoel dat de reden dat hij deze misdaad pleegt, is dat hij naar het hoofd van de politieke politie kan gaan om te luisteren naar de revolutionairen die hen associëren met Augusta's seksuele voorkeur omdat ze wegsluipt om de liefde te bedrijven. een communistische jongere nadat hij hem op het strand had afgewezen.

Dit is gewoon een fantastisch werk van corruptie, verlangen en sociopathische neigingen die door macht verstrengeld en gevoed worden en corrupt worden. Een kamer vol mannen die het soort macht uitoefenen waardoor dergelijke perversies van vertrouwen kunnen voortduren. Naamloze mannen, die hun eigen slachtoffers en de waarheid beschermen, zijn verdoemd. Klinkt bekend?

The Music Lovers (1970)

The Music Lovers lokte deze reactie uit van een van de grootste filmrecensenten aller tijden, Pauline Kael: 'Je voelt (alsof) je een paal moet slaan door het hart van de man die het heeft gemaakt.' De man die het heeft gemaakt is Ken Russell ​Historisch gezien, The Music Lovers volgt de gedoemde heteroseksuele pogingen van de beroemde componist Pjotr ​​Tsjaikovski ( Richard Chamberlain ) terwijl hij door de muzikale wereld stijgt door zijn homoseksualiteit de rug toe te keren en deelneemt aan een schijnhuwelijk. Het gaat over de kracht van muziek, maar het gaat ook over de destructiviteit van het onthouden van seks - voor jezelf en voor anderen.

Na mogelijk een uitstapje te maken naar de ervaren componisten van de beroemde Russische Mighty Five, koos Tsjaikovski zijn vrouw uit een reeks liefdesbrieven die ze hem had geschreven zonder hem ooit te ontmoeten. In gedachten, omdat ze alleen zijn muziek kende, was dat alles wat ze nodig had om van hem te houden. Maar Antonia (een geweldige Glenda Jackson ) had meer nodig dan zijn muziek. Ze had ook seks nodig om zich geliefd te voelen. Die zin klinkt misschien lomp en Russell presenteert het soms ook zo, maar het is ook hartverscheurend. Er is vernedering in zowel het afwijzen van iemand voor seks als in het afgewezen worden.

Er is een prachtige scène op hun huwelijksreis waarin Tsjaikovski Antonia specifiek erg dronken in een trein laat zitten, zodat hij geen seks hoeft te hebben, maar ze probeert het toch. Ze valt naakt flauw op de vloer van hun treinwagon en de hobbels van de rails doen haar lichaam heftig heen en weer slingeren; Tsjaikovski kijkt met afgrijzen naar haar kwetsbare lichaam. Het is deze gruwel van seksualiteit die misschien de reactie van de ring van Kael uitlokte. Voor Russell is het als regisseur allesbehalve klassiek. Hij was, net als Tsjaikovski hier, nieuw op het toneel in 1970. En hij radicaliseerde wat er gedaan kon worden met een historisch epos. Dit is niet David Lean. Dit is een film die de visioenen weergeeft die we creëren als hij muziek hoort. En een die naar een gekkenhuis kijkt als een broedplaats voor, nou ja, waanzin. Dit is de meest ongewone en luide film die ooit de penseelstreken heeft gekregen die doorgaans zijn gereserveerd voor avontuurlijke heldendichten.

Een nieuw blad (1971)

Woody Allen en Mel Brooks ontvangen de meeste onderscheidingen voor Amerikaanse komedies in de jaren 70, maar Elaine mei verdient het om genoemd te worden als hun gelijke (passend, Allen castte haar onlangs als zijn vrouw in zijn Amazon-serie, Crisis in zes scènes De Heartbreak Kid is haar meesterwerk (en verdorie in de buurt van een perfect entertainment) maar Een nieuw blad was haar fantastische start.

Blad betreft Henry Graham ( Walter Matthau ), een trust-fonds sukkel die geen echte hobby's of kennis heeft. We ontmoeten hem als hij te horen krijgt dat hij geen echt geld heeft; hij heeft het allemaal uitgegeven. In een laatste wanhopige poging om naar de countryclub te blijven en te leven in de high society, wedt hij met zijn oom dat hij binnen zes weken met een rijke vrouw zou kunnen trouwen. Als het hem lukt, zal zijn schuld worden kwijtgescholden en uiteindelijk zal hij de bruid kort na de ceremonie doden om haar erfenis te ontvangen. May speelt zelf de potentiële bruid, een onhandige en schoolse vrouw met wie niemand in de high society club praat.

Een nieuw blad is een klassieker Preston Sturges -geïnspireerde slapstick-komedie met een duivelse les aan het einde van de looptijd. Matthau's deadpan-levering is perfect om een ​​ongetalenteerde maar rechtmatige sukkel te vertegenwoordigen en aangezien de jaren 70 het kader creëerden voor groeiende inkomensongelijkheid, is zijn dwaasheid nu extra scherp. Maar de sinistere satirische draai die May in petto heeft, is het idee dat de reden waarom mannen zo gemakkelijk vrouwen en relaties uitzenden, is omdat ze op zoek zijn naar iemand die hen een erfenis zal geven. Voor velen is dat een erfgenaam om een ​​bedrijf te runnen met hun naam erop, maar voor Matthau's fop heeft het een nieuwe plantensoort die naar hem vernoemd is. Zal zo'n gebaar ervoor zorgen dat hij een nieuw blad omdraait en aan iemand anders denkt dan hijzelf?

The Boy Friend (1971)

Ken Russell geeft Sandy Wilson ’S Broadway-hit Het vriendje een of andere film verblindend. Het stuk zelf gaat over de roaring twenties en twee jonge mensen die tegen de wens van hun ouders in verliefd worden. Deze aanpassing betreft een understudy ( Twiggy ) in een worstelende Londense schouwburg uit 1920, die na de ster (a Glenda Jackson cameo) lijdt aan een blessure voor de productie van, je raadt het al, wat 'The Boy Friend' zal worden. Veel van Wilsons populaire liedjes blijven hier, met een zijverhaal over een filmproducent die in het publiek zit en op zoek is naar het volgende grote ding, en de understudy die verliefd begint te worden op de mannelijke hoofdrol ( Christopher Gable ) terwijl hij haar tijdens de repetitie helpt haar zelfvertrouwen te vergroten.

Het vriendje is te lang, maar heeft een aantal van de meest verbazingwekkende set- en kostuumontwerpen van elke musical. Omdat dit Russell is, creëren die ontwerpen ook dagdromen van de artiesten, niet alleen van de productie. Het is een oogverblindende film voor design. En Twiggy, het model, is heel natuurlijk als de onnatuurlijke ster die de it-factor heeft waarnaar de filmproducent op zoek is. Russell zei dat hij deze film had gemaakt als een palletreiniging voor de tumultueuze en studio-inmenging De Duivels (zie hieronder). Als zodanig is het gemakkelijk in te zien waarom het te lang duurt, aangezien Russell waarschijnlijk gewoon wat blinkende vreugde in zijn leven nodig had. Fans van La La Land vindt u hier een paar set-designknooppunten.

The Devils (1971)

Ken Russell ’S De Duivels is minder vergeten en meer gewoon echt verdomd moeilijk te vinden. Er wordt consequent om gevraagd om te worden toegevoegd aan de Criterion Collection, maar Warner Brothers lijkt vastbesloten om nooit OOIT de rechten los te laten. De studio heeft de release van een Blu-ray geblokkeerd, waardoor BFI het alleen in Engeland mocht laten zien als het wordt vermeld als een educatieve ervaring en de versie die ikzelf en veel filmfans hebben gezien, Stateside, komt rechtstreeks van Martin Scorsese 'S eigen collectie, die hij uitleent voor een occasionele vertoning (gewoon om je op te vrolijken). Om toe te voegen aan de intriges, Guillermo del Toro heeft WB beschuldigd van meer dan 40 jaar censuur door hem nooit toe te staan ​​homevideo te raken. Dit is nu de studio die op grote schaal is uitgebracht De exorcist - waaronder een scène van een bezeten pre-tienermeisje dat met een kruisbeeld in haar vagina stak en vervolgens het gezicht van haar moeder in haar privaten dwong terwijl ze mopperde, 'me likte' - slechts twee jaar later. Dus in een tijd waarin de backcatalogi van studio's overal verkrijgbaar zijn, waarom zit deze film dan achter slot en grendel?

De Duivels centreert zich rond een ijdele priester ( Oliver Reed ) en de gebochelde non ( Vanessa Redgrave ) die zo diep naar hem verlangt dat ze hem beschuldigt van hekserij en andere nonnen in het klooster meedoen met de beschuldiging omdat de beschuldiging hen in staat stelt zich te gedragen alsof ze seksueel betoverd zijn en daardoor zijn ze meer vrij om hun verlangens uit te oefenen dan de kerk zal toestaan. Het is een maf meesterwerk, zoals veel van Russells films dat zijn. En wanneer de nonnen zich overgeven, komt de anarchistische en chaotische kant van de auteur naar voren. Dit is een van Redgrave's beste uitvoeringen en het is een interessante kritiek op religie en de onderdrukking van verlangen. Nu is de film zo gehyped door zijn eigen onderdrukking dat hij volgens de huidige maatstaven waarschijnlijk tam zou lijken, wat het gedrag van WB nog vreemder maakt (in de manier van denken van WB zijn godslasterlijke presentaties die een kind in bezit krijgen, meer in orde voor het publiek, maar godslasterlijke presentaties die door een klooster worden vervalst zijn dat niet).

Let op, er zijn twee masturbatiescènes die uit de theatrale afdruk zijn gesneden om een ​​korte X-rated release te ontvangen in zowel het VK als de VS, oh die heb ik er een gezien, en het is niet grafisch maar is zowel verontrustend als duister humoristisch, in twijfel trekken of alle christenen hun religie beoefenen om hun hart zuiver te maken of omdat het hen de mogelijkheid geeft anderen te beheersen. Misschien is het de voor de hand liggende wens van externe cinefiele bronnen, zoals de Criterion Collection, om dat beeldmateriaal vrij te geven als een bonusfunctie die deze film onderdrukt houdt. Of misschien, zoals Birth.Movies.Death notities , het is gewoon een oude, grillige manager die een persoonlijke vendetta tegen de film heeft en we moeten gewoon wachten tot die persoon sterft (zoals veel achterlijke benaderingen tegenwoordig) en we zullen eindelijk allemaal voor onszelf kunnen beslissen of we kunnen deze film aan of niet. Als je deze film ooit in je lokale vermeldingen ziet staan ​​voor een vertoning van één nacht, ga dan.

10 Rillington Place (1971)

Afbeelding via Columbia Pictures

Attn: Murderinos, 10 Rillington Place is een meeslepend en ongemakkelijk vergeten seriemoordenaarverhaal waarin de meest knuffelbare man van ons Jurassic Park / Miracle op 34thStraat kindertijd, Richard Attenborough , vergast vrouwen, heeft seks met hun onbewuste lichamen, wurgt ze, begraaft ze in de tuin en koestert iemand anders ervoor! Iets dat deze film motiveert, in plaats van de acts sensationeel te maken, is hoe het herhaaldelijk laat zien hoe de patriarchale samenleving (en de veteraanaanbiddende samenleving) de moordenaar gemakkelijk laat opereren. Hij verdient vertrouwen door zijn geschoolde stem en zijn verklaring van eerdere medicinale praktijken. Zijn huurders ( John Hurt en Judy Geeson ) zijn een jong, zeer arm stel met één kind. De vrouw wil een abortus omdat ze het geld niet hebben voor een tweede kind, omdat hij analfabeet is en de enige die zich bij het personeel kan voegen. John Christie (Attenborough) is hun buurman en hij kan zijn vrouw ( Pat Heywood ) om te vertrekken wanneer dat nodig is voor zijn 'werk' als de enige verstrekker zelf. Het is zijn oorlogsverleden dat zijn eerdere arrestaties onderdrukt. En het is het systeem dat dierenartsen, goed opgeleide mannen en een luie politiemacht begunstigt, waardoor hij door kan gaan, zelfs nadat lichamen zijn ontdekt.

Attenborough is misselijkmakend en meeslepend, Hurt is magnifiek en regisseur Richard FleisherDe fantastische reis ) neemt goed in op het realisme van de gootsteen in Groot-Brittannië nadat Hollywood hem na een paar studioflops had weggegooid. Het verdriet in Attenboroughs houding wanneer hij een vergiftigde thee schenkt die hij niet kan gebruiken voor verkrachting en moord omdat de loodgieters zijn gekomen, is zo'n aardige aandacht voor de hoeveelheid controle die deze man gewend is in zijn huis te hebben.

Het publiek was in 1971 niet zo gewend aan films over seriemoordenaars als nu, dus het was schokkend om in 1971 de film te beginnen met een geliefde acteur die een bewusteloze vrouw naar de grond sleurde om met haar mee te gaan. Fleisher zou zich concentreren op twee grizzly-acts en de gerechtelijke dwaling en het publiek niet dwingen om meer moorden uit het waargebeurde verhaal te verduren. Maar nu we een obsessie voor seriemoordenaars hebben in film / tv, kunnen die laatste 10 minuten van gerechtelijke miskraam wel eens een eigen film zijn; hoe dit monster doorging en waarom het VK daarom de doodstraf afschafte. Toch, ook al is er aan het einde een haast door een beproeving, dit is vakkundig tempo, misselijkmakend en prachtig uitgevoerd.

Wake in Fright (1971)

Afbeelding via United Artists

Australië Word wakker met schrik is het meest artistiek Kater -stijlfilm en mijn persoonlijke nachtmerrie: omringd worden door een horde gedegenereerde mannen die drinken, gokken, vechten, vrouwen ontslaan en dieren neerschieten voor de sport, zonder beschikbare optie om ze achter te laten. Gary Bond is een onderwijzeres die een slechte gokweddenschap doet en vervolgens wordt gestrand in een stad vol dronken en gewelddadige mannen (geleid door Donald Pleasance ) die hem proberen te dwingen net zo dronken en gewelddadig te zijn als zij.

Dit verhaal over mannelijke misdrijven is beangstigender dan Verlossing omdat deze mannen meer herkenbaar zijn, en het verlangen om andere mannen seksueel te domineren wordt eerder gesuggereerd dan ronduit getoond. De uitgestrekte oranje woestijn is prachtig in beeld gebracht. Maar wees gewaarschuwd, de kangoeroejacht is kots, het ziet er echt uit omdat directeur Ted Kotcheff gebruikte echte beelden die hij had gevonden; dit was om zijn publiek te confronteren, met groeiende illegale kangoeroejachten voor mannelijke sport, en was een integraal onderdeel van strengere regelgeving, maar 40 jaar later, zonder dat besef van de tijd, is het ongelooflijk moeilijk om naar te kijken, dus wetende dat vooraf niet alleen een noodzakelijke waarschuwing, maar ook noodzakelijk om de redenen te weten waarom het in de eerste plaats is opgenomen. En de negatieve eigenschappen van mannen in groepen die keer op keer de slechtste keuzes maken, zijn tijdloos. Hoewel hij het op verschillende manieren probeert, kan de onderwijzer ze niet achterlaten; het is alsof hij in een zandbol zit.

Kotcheff staat vooral bekend om het regisseren van de eerste Rambo film, Eerste bloed , maar hij zou deze broederschapsthema's verdoven voor Amerikaanse feestfilms zoals Noord-Dallas veertig en Weekend bij Bernie ​Ook al zijn de mannen binnen Bernie 'S zijn aan het rondhangen met een dode, ik zou het liever met die kerels schoppen dan met deze monsters.

Little Murders (1971)

Ik maakte kennis met Kleine moorden , een hilarische satire van huwelijkskoorts, door een vriend die ging trouwen. Ze wilde dat de persoon die toezicht hield op haar geloften de clip van zou bekijken Donald Sutherland 'S voorganger terwijl hij een huwelijksintroductie houdt over hoe de 'zaken van het huwelijk' verdienen 'het verlaten van ritueel in de zoektocht naar waarheid.' De onderwerpen waar Sutherland het over heeft Elliott Gould en Marcia Rodd wachten om te trouwen zijn hoeveel van de bruiloften die hij heeft voorgezeten in een scheiding zijn geëindigd en de vele redenen waarom die mislukte huwelijken plaatsvonden; masturbatie, drugs, desinteresse. Het is echt een betoverende, hilarische en ja waarheidsgetrouwe analyse van rituelen en huwelijken en hoe ieders reden om te trouwen 'in orde' is, en dat geldt ook voor hun beslissingen om te vertrekken, want hoe graag we ook naar het huwelijk kijken als een samensmelting van twee identiteiten, dat is de leugenachtige versie.

is er een seizoen 4 van de 100

Bekijk de monoloog hier en als je het ermee eens bent dat dit een behoorlijk groovy speech is, geef dan Alan Arkin 'S regiedebuut een draai. Het zit vol humor, enorm intelligent, hoewel het een vreemde omweg vereist voor het derde bedrijf, het is een van de grappigste films uit een decennium dat zich van de swingende jaren '60 teruggaf naar tijdloze rituelen. Wat betreft de moorden? Zoals veel films op deze lijst, is het een tijdcapsule van het extreem gevaarlijke en groezelige New York '70. En wat betreft de aanstaande vrouw die me aan de film heeft voorgesteld? Ze is nog steeds getrouwd en legt de laatste hand aan een Hal Ashby documentaire dat zou in 2017 moeten beginnen met vertoning. En voor iedereen die deze lijst leest, is dat een must, want Ashby is misschien wel de meest vergeten grote auteur van de jaren 70.

Minnie en Moskowitz (1971)

Minnie en Moskowitz kan gemakkelijk worden hernoemd als 'Men Who Yell at Gena Rowlands Over waarom ze een item zouden moeten zijn ”. Maar met John Cassavetes script, het schreeuwen is leuk. Bewijsstuk A, Zelmo Swift ( Val Avery ), een rijke man met een grappige naam die 'doodsbang is voor vrouwen' en een heel slechte date-gesprekspartner, maar puur filmgoud voor de date uit de hel die maar doorgaat over haar uiterlijk en hoe 'geweldig' ze is zonder haar ooit te laten praten . Bewijsstuk B, de wild besnorde bediende, Seymour Moskowitz ( Seymour CasselJason Schwartzman 'S vader is binnen Rushmore ​Moskowitz redt Minnie van het einde van die date en probeert haar vervolgens meteen mee uit te nemen op een hotdog-date. In tegenstelling tot Zelmo stelt hij haar wel vragen, maar Minnie reageert amper.

Minnie en Moskowitz introduceert zijn twee hoofdpersonages terwijl ze een apart gesprek hebben over cinema. Uiteindelijk is dit een inzicht in hun wereldbeeld. Seymour ziet films als een ontsnapping en Minnie ziet ze als valse hoop ('Ze hebben je erin geluisd. En hoe slim je ook bent, je gelooft het nog steeds.'). Cassavetes volgt de meet cute / knight-in-shining-armor-formule van een filmromantiek, maar heeft in plaats daarvan 'de prijs' een vrouw te zijn die het opgegeven heeft en bijna in coma is vanwege enige emotionele gevoelens. Minnie laat zien hoe lelijk de wereld kan zijn en hoe triest films zo kunnen worden om hoop te geven en Seymour geeft aan hoe levend het alledaagse kan worden met alleen de mentaliteit van het zoeken naar entertainment. Een daarvan is succesvol; de andere is een stap boven een zwerver (maar hij is ook aardig voor zwervers en een beetje gemeen tegen succesvolle mensen). Het streven van Seymour is niet bepaald romantisch, maar romantiek voelt mogelijk tussen hen en dat is de reis van deze film: de mogelijkheid van romantiek presenteren in plaats van de filmversie waarin romantiek wordt bezegeld door de aftiteling.

Afbeeldingen (1972)

Robert Altman Het claustrofobische, gekke verhaal van vrouwen werd in 1972 een slechte dienst bewezen door filmcritici en snoof in wezen de brede release ervan. Susannah York won dat jaar Beste Actrice op het filmfestival van Cannes, maar de grootste kranten in New York weigerden er verslag van te doen en de weinige recensies van het New York Film Festival deden de kans op verdere distributie verloren gaan. Het is vreemd om te bedenken hoe koel critici de film van Altman ontvingen, maar hij had net gemaakt M * A * S * H en McCabe en mevrouw Miller , twee betrokken en directe verhalende meesterwerken en Afbeeldingen leek op dat moment waarschijnlijk een puinhoop. Maar als je het nu bekijkt, nadat velen van ons andere gestoorde femme-films hebben gezien, zoals Opening Night, Mulholland Drive, Black Swan, Queen of Earth en nog veel meer, het is een vrij natuurlijk horloge en perfect uitgevoerd door York, Altman en de cameraman, Vilmos Zsigmond

Eigenlijk, Afbeeldingen is een visuele hervertelling van Ingmar Bergman ’S Persoon ​In de film van Bergman bekent een verpleegster een seksuele gebeurtenis aan een stomme patiënt en voelt dan dat die patiënt macht over haar heeft omdat ze haar donkerste geheim kent. Maar terwijl Persoon gebruikte een lange monoloog voor die bekentenis, Afbeeldingen gebruikt, je raadt het al, afbeeldingen.

In Afbeeldingen , het is een getrouwde vrouw die weet dat ze haar man bedrogen heeft; de eerste man met wie ze vals speelde, stierf bij een vliegtuigongeluk, en nu achtervolgt hij haar in hun jagende zomerhuis. Een man die in de buurt woont, voelt haar schade en denkt dat ze fantasiesignalen voor verkrachting uitzendt, dus bezoekt hij haar terwijl haar man jaagt. Haar zomerverblijf is een spookhuis van hoon en seksueel verlangen van mannen (zowel van de dood als dodelijk). Ze denkt dat ze ze allemaal vermoordt, maar welke man vermoordt ze eigenlijk?

Dit is een van Altmans meest verbluffende oefeningen op het gebied van stemming en camerawerk (het is ook een van de raarste en meest opwindende partituren van John Williams , vol verwrongen zenuwen). Onheilspellende hertenkoppen, gefluisterde vertelling, pianoplanken, camerabeweging die een moord in haar hoofd laat zien en vervolgens de waarheid in hetzelfde frame kan onthullen, ja, Afbeeldingen kreeg nauwelijks een release, maar je kunt de invloed ervan op toekomstige filmmakers zien als de bloedvlek van een lijk dat uit de keuken wordt gesleept.

Sirene (1972)

Martin Ritt De bewerking van de symbolische roman voor jonge volwassenen van William H. Armstrong kan echt een re-master gebruiken. Zoals het er nu uitziet, heeft het het uiterlijk en het geluid van een oude tv-aanpassing, maar laat je de film niet buiten beschouwing laten. Sirene is een krachtige film over de dunne lijn die een zwart gezin moet bewandelen om succesvol te zijn in de samenleving. Na weer een niet-succesvolle jacht, een vader ( Paul Winfield ) steelt wat ham voor zijn kinderen en wordt gevangen gezet en naar een kettingbende en zijn vrouw gestuurd ( Cicely Tyson ) en oudste zoon ( Kevin Hooks ) horen herhaaldelijk van de winkelier, de sheriff en de lokale vrouwen die hun wasgoed opsturen, hoe ze als gezin voor hen “uit elkaar gingen”. Het is hartverscheurend om te zien hoe de Morgans worden behandeld alsof ze zich schamen in hun werk, omdat het voor hen een voorrecht is om überhaupt te werken en daarom verandert het verlangen van de stad naar dankbaarheid nu in een verlangen naar een uitwisseling in ongenade. .

Tyson toont een blijvende kracht die alleen op haar werk kan worden beoordeeld, ze preekt niet in de rol van matriarch, en Sirene is stilletjes feministisch terwijl ze probeert haar eigen aparte eer in te boezemen, buiten de familie-eenheid. Hooks rent er uiteindelijk vandoor met zijn vertrouwde hond om te achterhalen in welke kettingbende zijn vader zit. Hij strompelt een schoolgebouw binnen met een leraar die hem niet beoordeelt op basis van zijn vaders misdaad en biedt hem hulp bij het leren lezen. Wat maakt Sirene een succesvolle bewerking van een geliefd boek is Ritts gebruik van geluid, zijn vertrouwen in de uitvoerders om het onuitgesproken uit te voeren en de stelling van het boek nooit ronduit te laten staan, maar in plaats daarvan onthult het zich met subtiliteit aan het publiek. Sirene is een zeer volwassen bewerking van een populair kinderboek, dat met gratie en waardigheid wordt behandeld.

Heavy Traffic (1973)

Ralph Bakshi Is ( In de ban van de Ring ) animatiefilms die geen tovenaar zijn, zijn moeilijk te bekijken en moeilijker aan te bevelen, maar ze zijn ook essentieel voor iedereen die geïnteresseerd is in het bekijken van het New York uit de jaren 70 vanuit de vuilnisbak. Fritz the Cat verdraaide de tegencultuurbeweging en Coonskin is bijvoorbeeld een lelijke kijk op stedelijk racisme. Druk verkeer is zijn meest persoonlijke film, over een jonge cartoonist die door de straten van New York dwaalt als een manier om uit zijn gewelddadige huishouden te komen, en als zodanig voelt het niet alsof hij probeert te provoceren of te intimideren, maar moet hij bekennen dat hij veel heeft gezien zware shit in zijn tijd, maar op de een of andere manier leefde hij nog vele dagen. Maar aan het einde van de tunnel, die vol staat met prostituees, strippers, kappen en zwervers, houdt hij van zijn geboorteplaats. Het is de stad die nooit slaapt omdat er zoveel louche prikkels zijn. Beschouw jezelf gewaarschuwd, zijn films hebben geen ruimte voor gevoeligheid, ze zijn eerder een uithoudingsproef. Hoe hij zijn stad en zijn gezinsleven ziet.

Druk verkeer is een koortsdroom, een Dante's uit de jaren 70 Hel , en om het te zien is om extra context toe te voegen aan Travis Bickel's naleving in Taxi chauffeur dat iemand zo overprikkeld zou kunnen raken door goedkope genoegens dat ze zouden vragen om 'een echte regen die naar beneden komt en al dit uitschot van de straat wast'. In feite, wanneer Martin Scorsese was aan het schieten Taxi chauffeur ze moesten de productie voor een korte periode stopzetten bij een protest tegen Bakshi’s Coonskin resulteerde in een rookbom in de straten buiten het theater. Scorsese stuurde de beelden naar Bakshi, die zei dat hij 'niet wist of hij moest lachen of huilen'. Ergens in Druk verkeer ligt het kloppende hart van een kunstenaar die gelooft dat lachen terwijl huilen is de enige manier om dingen echt weg te wassen.

Torso (1973)

Afbeelding via Interfilm

Torso is een Italiaanse slasher die de meeste regels vaststelt die later voor Amerikaanse slashers zouden gelden. De loerende mannelijke blik maakt iedereen verdacht wanneer de studentenlichamen zich opstapelen en het zijn de vrije seksuele wezens die een voor een worden vermoord. Er is zoveel naaktheid in het begin Sergio Martino De film benadert vrouwenhaat, maar de giallo-meester zorgt voor een fantastische beloning. Maar tegen het einde, na het horen van alle lonkende stadsgesprekken die de arbeiders uit de arbeidersklasse hebben over de vrouwelijke studenten die een villa hebben gehuurd om zich te verstoppen voor de moordenaar die vrouwen hackt op feestjes buiten de campus, is de obsessie van de moordenaar met poppenonderdelen begint te begrijpen hoe vrouwelijke lichamen worden gebruikt.

Zijn motief is dom, maar de mannelijkheid van een volwassen man werd belemmerd in een jeugdig moment waarin hij vroeg om een ​​spelletje te spelen of ik zal je de mijne laten zien als je me de jouwe laat zien, dat wordt gedwarsboomd door iets tragisch dat gebeurt met een pop. En op de universiteitscampus, op het gratis liefdesbordello, en in de pittoreske villa, wanneer er veel naakt wordt gezien, zijn het vrouwen die de leiding hebben over hun lichaam: gewillig samenwerken met een minnaar op de achterbank van een auto, dansen in uitkleden in een hippie klaagzang, naakt loungen op een bank waardoor mannen hun borsten kunnen strelen terwijl ze een sigaret roken, maar ze zeggen dat ze moeten stoppen als ze verder proberen te gaan, en, het meest brutaal, als ze alleen zijn, naakt zonnebaden ondersteboven in de villa. En dan plotseling, wanneer de moordenaar bij de villa aankomt, draait Martino de film op zijn kop en geeft ons het ultieme meisjesscenario voordat het laatste meisje zelfs maar een trope was geworden.

In elk geval van naaktheid hebben vrouwen de controle over hun lichaam. Het is leergierig, en ja, de lesbische scène voelt meer als een producer die zegt: geef er een aan het publiek, maar tegen het einde denk ik dat de buitensporige naaktheid naar huis wordt gehamerd als een punt. Poppen zijn iets waar jonge jongens niet mee kunnen spelen tenzij de eigenaar van het meisje toestemming geeft. En vaak is dat niet het geval. De luierende naaktheid heeft meer te maken met de stilte van hun volwassen lichamen in een natuurlijke staat, gereduceerd tot poppen als een man ze in zo'n pose ziet. (Het laatste stukje dialoog van de mannen in de stad is dat die mooie vrouwen niet eens met hen zouden praten omdat ze ongeschoold zijn; nogmaals, een manier waarop vrouwen meer keuzevrijheid hebben in een tijdperk waarin voorhuwelijkse seks het nieuwe normaal is maar de rol van vrouwen in romantische en educatieve bezigheden verandert mee, waardoor ze meer keuzevrijheid krijgen).

Maar het zijn de laatste 30 minuten die maken Torso een geweldige giallo aller tijden. De moorden beginnen buiten het scherm te gebeuren terwijl de moordenaar de villa besluipt, dus in plaats van dat moordscènes spanning veroorzaken, is het een langdurige reeks waarin elke kraak van de vloerplaat, elke greep van de houten advocaat een enorm gewicht krijgt. Het is een van de meest langdurige en intense delen van een horrorfilm die ik ooit heb gezien. En hoewel het Final Girl-scenario anders is dan de toekomstige regels, heeft Martino enorme cameratrucs achter de hand om de kijker te desoriënteren.

The Iron Rose (1973)

Afbeelding via ABC Films

Jean Rollin ’S De ijzeren roos is De uitroeiende engel van ziekelijke lustfilms; twee jonge hotties gaan een kerkhof op en kunnen de weg naar buiten niet vinden. Is het een metafoor voor het huwelijk? Kan zijn.

Twee Franse vreemden ( Francoise Pascal en Hugues Quester ) ontmoeten elkaar nadat hij op een bruiloft een macaber gedicht heeft voorgedragen. Jongen vraagt ​​mee meisje, meisje zegt ja, dus slaat hij een boom uit opwinding. Ze ontmoeten elkaar de volgende ochtend op het emplacement en jagen elkaar achterna van locomotief tot locomotief. Het is schattig. Hij stelt wijn voor, maar het meisje weet niet dat hij wil dat deze picknick op een kerkhof is omdat het stil is. Tegen haar voorbehoud van locatie eindigen ze natuurlijk in een crypte, maar nadat hun liefdesessie de lengte van een hele kaars heeft geduurd, komen ze tevoorschijn in de duisternis, beginnen ze te kibbelen en elkaar te misbruiken totdat hij een ijzeren kruis trapt, ze gaat op een graf liggen en raakt misschien bezeten. Maar hoewel ze gekke dingen zegt over de Dag des Doods en op handen en voeten kruipt, zal de jongen nog steeds zoenen met een meisje op schedels en dijbenen als ze wil.

De valkuil is seksualiteit en hoe mannen vrouwen dwingen van onbezorgd plezier in situaties waarin ze liever niet verkeren. Dit kan een metafoorfilm zijn of het kan gewoon een goedkope plek op een enkele locatie zijn. Ik denk dat het allebei is. De macabere stemming van Rollins en de ketchup- en mosterdtruien geven dit een beetje een Scooby Doo vibe (deinende decolleté opzij). Door in een mooie partituur en je zou willen dat horror vaker leuke death trips ontmoette.

Belladonna of Sadness (1973)

Afbeelding via Nippon Herald Eiga

In deze geanimeerde psychedelische popfantasie van duivelse zintuiglijke overbelasting, valt een kwaadaardige feodale heer een dorpsmeisje aan tijdens haar huwelijksnacht en gaat verder met het verwoesten van het leven van haar en haar man. Nadat ze uiteindelijk uit haar dorp is verbannen, sluit het meisje een pact met de duivel om magische vaardigheden te verwerven en wraak te nemen op iedereen. Belladonna van verdriet is gelijk aan schoonheid en grotesk en was enorm invloedrijk voor de toekomstige alternatieve Japanse animatiefilmmakers, zoals Satashi Kon en Mamoru Oshii. Wat maakt Belladonna uniek, is dat er iets nodig is dat een echte middeleeuwse horrorshow had kunnen zijn en de duisternis doorkruist om ruimte te laten loungen in extase, wat de momenten van onderdrukking nog meer snijdend maakt en de uitstel zoveel meer een opluchting. Het is echt iets dat de duivel meer sympathie opwekt dan sterfelijke mannen, maar het is omdat hij tenminste haar verlangens en haar verlangen naar wraak begrijpt. Begrip is iets dat mannen Belladonna of Sadness niet kunnen betalen.

Het is moeilijk om deze orgie van overdaad te beschrijven zonder ruw te klinken, dus in plaats daarvan gebruik ik Acid Mother's Temple-songtitels om deze blurb af te ronden, aangezien psychedelische aquarel en psychedelische rock het lange golvende haar van dit verhaal zijn; de pastelkleuren staan ​​op tegen de duisternis als:

'Hallo goed kind'

'Sweet Juicy Lucy'

'Derde oog van de hele wereld'

'Interplanetaire liefde'

'Pink Lady Lemonade'

'Tot ziens, grote klootzak'

Ja, dat vat het beter samen dan 'ver weg' zou kunnen.

Blood for Dracula (1974)

Graaf Dracula was altijd een beetje een verleider, maar Paul Morrissey (en producer Andy Warhol ) gaf ons een hilarisch machteloze Dracula ( Udo Kier ) in Bloed voor Dracula ​Het lichaam van deze Dracula wordt ongelooflijk zwak omdat het - na eeuwen van voeden met maagdelijke nek - steeds moeilijker is geworden om maagdelijke vrouwen te vinden om van te drinken. Zijn assistent stelt voor dat ze naar Italië gaan, waar gezinnen nog steeds onwankelbare katholieke waarden hebben en dus de vrouwen zuiver zullen zijn. Warhols seksgod Joe Dallesandro (altijd het snoepje, nooit de acteur; hij zwaait met een dik Brooklyn-accent in Transsylvanië) heeft het op zich genomen om de maagdelijkheid van elke vrouw op het Italiaanse platteland te nemen om Dracula uit te hongeren. Bloed voor Dracula geeft een andere betekenis aan een houten paal die het hart van Dracula doorboort. Hier doodt ochtendhout letterlijk de graaf.

Hoewel het gemakkelijk is om een ​​machteloze verleider uit te lachen, schuilt er een zekere droefheid in Kiers optreden; met toegenomen seksuele vrijheden verliezen we de klassieke samenleving en Kier's Dracula is een fysieke weergave van die langzame dood. Dit is een man die eeuwig zou kunnen leven zolang hij leefde in een tijdperk van zuiverheid. Eeuwenlang was Dracula een tovenaar van seksualiteit en mannen moesten hem opjagen en hem fysiek aan de paal hangen om hun pure vrouwen te beschermen. Nu kan elke man met sixpack-buikspieren zich een weg banen door de stad en zijn krachten verzwakken.

Celine en Julie gaan varen (1974)

Jacques Rivette Is drie uur (plus!) Arthouse kolos, Celine en Julie gaan varen is twee dingen voor mij, het is de meest realistische dromerige film die ik ooit heb meegemaakt (inclusief de uiteenvallende aanloop naar de grote finale) en ook de beste weergave van lucide dromen (waarbij de dromer de droom kan beïnvloeden om een ​​uitkomst te hebben die ze willen, omdat ze zich ervan bewust zijn dat ze dromen).

Celine ( Juliet Berto ) en Julie ( Dominique Labourier ) zijn twee vrouwen die in actie met elkaar verbonden raken en hun identiteit versmelt. Als de een een boek over magie leest, is de ander een goochelaar. Als de een boekpassages met rode inkt onderstreept, schildert de ander in rood. Na een reeks van vele aan elkaar gekoppelde objecten en acties, komen de jonge vrouwen terecht in een of ander spook-lesbisch-moord-mysterie dat doorlopend speelt. Een huis met een rouwende vader zit vast in het ongewisse waar zijn stiefdochters dagelijks een moord naspelen. Celine en Julie ervaren dit op de voorgrond en, zoals we in dromen doen als we ons ervan bewust zijn dat we niet meedoen aan wat we zien, beginnen ze te testen hoe ze opgemerkt zullen worden of waar ze mee weg kunnen komen in de aanwezigheid van deze scène.

Wat er gebeurt, is merkwaardig, grappig en verrukkelijk. Maar wat helpt Celine en Julie Om de dromerige sfeer te behouden, vergeet de kijker zoveel van de gecodeerde opstelling als ze eenmaal in huis zijn. Net als in een droom, houd je alleen de fragmenten over waaraan je vastklemt en probeert uit te leggen.

Partituur (1974)

Ja, dit is X-rated, de plot is vrij kaal en er is een meisje in de meiden-voorbindscène en een man-op-man pijp-scène, maar ik daag je uit om een ​​film te vinden die meer op je gemak is met de geneugten van het leven dan Radley Metzger ’S Score ​De film gaat over een swingend getrouwd stel ( Claire Wilbur en Casey Donovan ) op jacht om een ​​preuts getrouwd stel te verleiden voor een nachtelijke ruil van partners van hetzelfde geslacht. Zelfs als je zelf preuts bent, valt er veel te waarderen in Metzger's filmvaardigheden. De score is springerig en levendig. De prestaties zijn solide. En zijn compositie van mis-en-scene is onthullend. Metzger was een fantastische regisseur die niet vastzat in soft-core, maar hij wist eerder dat soft-core een kunstvorm kon zijn. De meeste portretten die decennialang in musea hebben gehangen, waren naakt. Waarom zou film het niet ook kunstzinnig presenteren? Seks en schaamte zijn misschien ingebouwd in religie, maar het zou niet in onze kunst moeten worden ingebouwd.

Score is niet bedoeld om tien minuten vooruit te spoelen naar 'de goede delen', want de verleiding en gesprekken zijn eigenlijk de beste delen. Het is een mooie film van 90 minuten met intelligente en geestige gesprekken over seks. Sommige van die gesprekken vinden plaats terwijl twee vrouwen praten tussen een lavalampaquarium, omdat filmgesprekken altijd een lust voor het oog moeten zijn. Wat is er echt leuk aan Score het is echter hoe allesomvattend het is. Elk personage probeert de ander af te krijgen en iedereen heeft een glimlach en de score is geweldig. Laat de intro zin je niet afschrikken; deze film is niet erg expliciet. Als je het aankunt om mensen veel te horen praten over seks en huwelijk in een prachtig appartement in jaren 70-stijl in de Italiaanse villa, en dan een paar minuten seks te hebben, dan ben je echt in voor een traktatie. Je zult glimlachen als je aan deze film denkt. Je hoopt iemand te ontmoeten die zo opgewonden is om te leven als het onderdrukte nieuwe stel ( Lynn Lowry en Gerald Grant ) zijn als ze de villa verlaten om iemand anders te bekeren tot hun nieuwe vrije manier van denken. Seks kan leuk zijn. De achtervolging kan leuk zijn. En Score is zo verdomd leuk dat er helemaal niets is waar je je schuldig over kunt voelen als je ernaar kijkt.

Harde tijden (1975)

Moeilijke tijden geeft een neo-westerse herinrichting van het standaardverhaal over de Grote Depressie en het boksen. Er is geen meisje om aan het einde te komen, er is geen grote prijs om alles recht te zetten; er is gewoon wat extra krasje en respect verdiend. Dit is cultregisseur Walter Hill Is ( De krijgers ) eerste film en het is zeer zeker. Hij presenteert het als een klassiek sterk verhaal van de vreemdeling uit de wagon ( Charles Bronson ) die elke man in een eerlijk gevecht kan verslaan, maar langzaam onthult hij dat er niet veel te winnen valt.

Tegen die tijd was Bronson al omgetoverd tot een wraakster van grindhouse, en de verwachting is dat deze film vergelijkbaar zal zijn, maar Hill is het meest geïnteresseerd in de zakelijke kant van illegale gevechten; hoe het vertrouwen wordt vernieuwd door de letterlijke terugbetaling in contanten te verdienen en niet door gewelddadige vergelding. In Bronson geeft Hill 'Speed' (een geweldige, stormachtige James Coburn ), een promotor die gewoonlijk zijn liegende mond gebruikte om uit zijn debuut te komen, een nieuwe methode om zichzelf te eren: trouw blijven aan zijn woord door ondankbaar werk.